Investigación y Reflexión tema 3 libro

                                                                                                                                         2º Fa 2013/2014

Caminos abiertos a la fotografía por el arte

1.- UTILIZACIÓN DE LA IMÁGEN FOTOGRÁFICA COMO DOCUMENTO

Los años sesenta representan una década donde surjirán muchos planteamientos que tuvieron lugar durante la vanguardia histórica.
Marcel Duchamp, dadaista de esa época abrirá nuevas líneas de actuación que tendrán muchos seguidores, creadores postformalistas.
Al final de la vanguardia aparece una abstracción informalista, procedente del surrealismo, que había llevado a los expresionistas abstractos a un callejón sin salida.
Muchos creadores se rebelaron contra ese aspecto puramente abstracto del arte fotográfico.
Como consecuencia, y frente al informalismo empiezan a aparecer el arte conceptual, el accionismo vienés, el body art, el minimal, el land art, y el arte pop.
Además de intentar huir del arte como pura mercancía y preciado bien de consumo, muchos de estos artistas quisieron plantearse a su vez la cuestión del carácter
intemporal de las obras de arte, naciendo de esta forma, conceptos como el arte "efímero".
En muchos casos la fotografía constituia solo una huella de la intervención espacial o corporal.
Sin embargo, para otros muchos autores, el registro fotográfico supuso algo más que una mera acta notarial de lo sucedido.
Estos artistas premeditaban de forma cuidadosa las tomas que iban a realizar, y los puntos de vista de las tomas.
Robert Smithson, Richard Long o Dennis Oppenheim consideraron que sus obras land-art, o earthworks no suponían ya sólo la propia intervención en el espacio
natural, y éste es precisamente un punto de vista poco común para la observación directa del paisaje.
Lo que animaba a autores como Richard Long a documentar sus trabajos de paisajes no era la necesidad de testimoniar, sinó la de realizar a través de la fotografía un acto de reducción espacio-temporal del proceso de la obra.
De igual manera, otros artistas como Christo o Gordon Matta-Clarck, documenta sus intervenciones en el espacio.
Otros utilizan de forma constante autorretratos fotográficos construidos a modo de performances, para intervenir posteriormente sobre sus obras con pinceladas.
La tecnología digital ha permitido que muchas de las representaciónes de body art contemporráneo se "ficcionalicen" para encarnar ideas dificilmente traducibles a otro medio.
En las últimas décadas es cada vez mas frecuente que los artistas actúen única y exclusivamente para la cámara, sea fotografica o de video.
Un caso particular es la presentación documental que hace Paul Mc Carty de sus intervenciones, o los montajes fotográficos del español Juan Hidalgo, perteneciente al mítico grupo Zaj.

2.- LA NORMALIZACIÓN DE LA IMÁGEN FOTOGRÁFICA EN EL DISCURSO
PLÁSTICO.
LA INCORPORACIÓN DEFINITIVA DE LA IMÁGEN FOTOGRÁFICA A LA PINTURA
DURANTE LA DÉCADA DE LOS SESENTA.

Otro movimiento de adecuación y harmonía de los creadores con la sociedad de masas, fué sin duda el movimiento pop.
Sirviéndose de los recursos utilizados sistemáticamente por els medios de comunicación de masas, el pop pretendía hacer un nuevo tipo de arte.
Una de las primeras obras del pop británico fué un fotocollage de 1956, relatando la vida moderna.
Este fotomontaje, realizado con imágenes recortadas de los medios de comunicación, de publicidad o de propaganda, constituía precisamente una especie de bazar de productos propios de la sociedad mediática del momento.
Andy Warhol utilizaba en sus lienzos abundantes fotografías, en su mayoría rescatadas de la prensa escrita.
Robert Rauschenberg también utiliza la imagen fotográfica en sus lienzos como recurso plástico.
Roy Lichtenstein utiliza sistemáticamente la estrategia de apropiación para adoptar en sus obras la apariencia de las viñetas sacadas del cómic.
Las figuras de Gilbert & George fueron sometidas a todo tiupo de recontextualizaciones, multiplicaciones y ampliaciones, eliminando el fondo de sus fotografías y positivándolas en alto contraste. Todo ello con el fin de ofrecer una imágen visualmente cercana a la utilizada en publicidad.
La posterior incorporacion a sus obras de colores chillones y puros ha supuesto una genuina interpretación del pop británico durante la década de los setenta y ochenta.

3.- LA UTILIZACIÓN DE LA IMÁGEN REAPROPIADA DE LOS MEDIOS DE
COMUNICACIÓN DE MASAS.

Walter Benjamín postulaba la destrucción del caracter singular a través de la difusión masiva de las imágenes en los medios de comunicación.
La incorporación del arte a la cultura de masas había tenido su exponente más brillante y atractivo en el pop art.
A lo largo de las siguientes décadas se planteará la utilización deol medio fotográfico como un recurso crítico y de denuncia a los estereotiupos, los iconos mediáticos y los vicios adquiridos por esa misma cultura de masas.
En la década de los setenta y ochenta, una serie de artistas volverá a recuperar el discurso fotográfico utilizado por la comunicación de masas.
Pero esta vez lo harán con un afán de apropiación que excederá el mero discurso neodadaista de  vanguardia.
John Baldessari es, quizás uno de los precursores de este proceso de apropiación, a quién muchos   creadores de los años ochenta y noventa han reconocido abiertamente como ejemplo inspirador.
Este autor, que en los años sesenta quemó toda su obra pictórica anterior, reorientó su discurso mediante el uso constante de imágenes capturadas de los medios de comuniación de masas.
Con ello, lanzaba mensajes a los espectadores en el modo en el que mejor podría ser comprendido: el lenguaje audiovisual.
Baldessari recurrirá con frecuencia a la reutilización de fotogramas cinematográficos (sobre todo de películas de cine negro).
Richard Prince recurrirá a imágenes impactantes sacadas de la publicidad la prensa para transgredir su mensaje original.
En una de sus series más famosas, Cowboys (1980-1992), Prince se apropiará de la estética publicitaria de una conocida marca de cigarrillos refotografiando y reencuadrando los carteles impresos de la campaña comercial, y amplificando deliberadamente el grano, y el tramado (casi invisible) de la fotomecánica.
Así conseguirá ridiculizar y tergiversar el mensaje original, poniendo irónicamente en evidencia la imagen del cowboy.
De igual forma, en la serie Girlfriends (1992- 1993) somete a una crítica feroz el manido estereotipo sexual femenino (jóvenes montadas en moto enseñando los pechos), vista a través de la mirada bulímica de una sociedad machista.
Sherrie Levine se apropia de algunas de las grandes obras pictóricas mediante su reproducción fotográfica.

Levine no utiliza objetos neutrales y sin aparente valor estético, como lo hiciera Duchamp con su urinario o su botellero.
Ahora esta artista se apropia de obras de arte famosas a fin de reivindicar una completa falta de originalidad en el discurso plástico contemporráneo.
Su intención no es la de generar más imágenes, sino la de hacer caer en la cuenta al espectador de las imágenes que ya existen.
Levine utiliza la capacidad de elección que tiene el medio fotográfico para ensalzar, encuadrar, y aislar los objetos de nuestra vida cotidiana.

OTROS AUTORES DE ESTOS MOVIMIENTOS

Las obras del pintor Gerhard Richter son en reapoidad una copia pintada a partir de una fotografía.
Barbara Kruge es otro caso particularmente interesante, ya que a menudo utiloiza el estereotipo de los emblemas propagandísticos habituales en la sociedad de consumo.
Rogelio López Cuenca; este autor español se reapropia igualmente de algunos de los iconos mediáticos más conocidos de la cultura de masas.
Sirviéndose de imágenes fotográficas emblemáticas, construye carteles en los que lanza mensajes políticamente incorrectos en contra de la globalización deshumarizadora, el clasismo social, la discriminación, el racismo y la desigualdad de oportunidades.
Sus obras, al igual que las de Barbara Kruger, poseen una marcada vocación de arte público.
Mediante el uso de marquesinas, vallas, postes publicitarios, rótulos indicativos que asemejan señales de tráfico o indicaciones informativas en la vía públoica, Rogelio López Cuenca pretende dar un aldabonazo a la conciencia cuidadana.
Estas obras políticamente comprometidas pretenden hacer despertar al paseante de su letargo cotidiano mediante el shock visual.

4.- CULTURA DE APROPIACIÓN

El español Dario Villalba fué otro de los artistas que, desde una formación pictórica, se sirvió del medio fotográfico desde principio de los setenta para tener una representación muy personal.
Sus trabajos están centrados en el cuerpo, tanto corporal como espiritual, a través de la imagen del sufriente, del loco o de la degradación y el envejecimiento de los cuerpos.
Por otro lado, el brasileño Vic Muniz genera un tipo de apropiación muy singular, y a diferencia de otros autores, no refotografiaba directamente las obras de otros artistas, sino que las somete a una reinterpretación o refotopictórica peculiar.
Primero Muniz realiza una reproducción artesanal de las obras, dibujándolas con materiales tradicionalmente innobles, efímeros e impropios de la pintura. Así, utiliza chocolate líquido o caramelo para reproducir cuadros como la Monna Lisa de Leonardo, La Balsa de la Medusa de Géricault o paisajes de Constable, Friedrich, Courbet, Carot o Monet.
Ives Klein: su obra resulta pionera en el tratamiento de los medios audiovisuales.
Lo hace fundamentalmente con la fotografía, el cine y posteriormente el vídeo.
Así, obras en las que embadurnaba desnudos femeninos con pintura azúl, para plasmar posteriormente su huella sobre el lienzo, o piezas en las que pintaba con un lanzallamas, tienen sentido a través del registro fotográfico de las acciones en el momento de su ejecición.

Resumiendo esta investigación y reflexión puedo comentar que:
El tema 3 del libro nos muestra cómo se puede documentoar imágenes fotográficas, y hacer trabajos y obras de arte a través de la apropiación o reutilización de las obras de otros artistas, sean fotógrafos o pintores.
Vemos los trabajos y sus interpretación a través de muchos artistas que ven el arte de la fotografía de otra forma, y sus métodos llevan sus obras a la sociedad de forma masiva.